WHAT WE CALL AESTHETICS

Scene:

Aesthetics, in its inaugural moments, is configured to the extent that capitalism and secularization move away from the criteria of valorization of previous religious and political powers. Aesthetic concepts began to play a central role in the constitution of the dominant ideology, that is, of eighteenth and nineteenth century capitalism. Therefore, the aesthetic is a bourgeois concept, in the historical sense; a forged concept that took shape throughout the Enlightenment[i].

In this sense, the permanence of aesthetics is expressed in various ways: from our way of living, in our language, in our bearing, in the way we dress, eat, worship the divine and personalities; in the way of legitimizing power, showing off triumph or remembering the dead. However, the main role of aesthetics in our common life is through the construction and presentation of social identities[ii].

Aesthetics, since the second half of the 20th century, lacks epistemological consistency and is not located in a cultural theory with a broad consensus. There is a dispersion of senses in it that make it unattainable. It remains, this, as an open area where they are searched for: non-separated forms of the types of function; representations interested in knowledge, even, of what does not exist; experiences unconcerned with transcendence and interested in possibilities in a world without pre-established norms. In this sense, aesthetics is a set of reflections, disseminated, on the so-called artistic practices and not a discipline[iii].

Its use is so extensive that we all know that, in our environment, the term aesthetics is used in the genre of treatments that are dispensed in beauty or aesthetic salons, as they are called. That is why Danto’s anecdote does not seem far-fetched, that a young assistant professor at a Canadian university told him «that whenever she sees an aesthetics position advertised in the philosophy department, she cannot help but think that they are looking for someone who knows how to do the manicure” [iv].

Eagleton points out that the term aesthetic, in Baumgarten’s formulation, does not refer to art, but to the Greek aisthesis, that is, to human sensation and perception. In contrast to the domain of conceptual thinking[v]. According to Baumgarten, «in order to direct the lower cognitive faculties, there can be a science of sensitive knowledge of something»[vi], that is, the aesthetic science of objects of sensitive knowledge.

However, this science that tried to establish itself in the study of human sensitivity ends up being reduced to the description, evaluation and classification of objects called works of art, and ends up justifying what needs it least: beauty. This means that the esthetologists who had to deal with the science of sensitive knowledge forgot about this end and were dazzled by art and beauty. And they searched in the artistic and academic opinion for what is and what is not art[vii].

And in this we are. Perhaps for this reason, Passmore said that aesthetics had become a boring discipline, since the meaning of beauty lies in enjoying it and not in analyzing it[viii].

Aesthetics is a cultural, social, communicative, political, economic, philosophical, historical, anthropological, cognitive, semiotic and even neurological issue, which is why it has become a mixed bag and for which it is often difficult to define. since several disciplines overlap in it. In this context, aesthetics refers to various types of ambiguous and difficult-to-define phenomena, through the procedure of necessary and sufficient reasons.

What to say then:

By its Greek etymology, Αίσθησις, aesthetics refers specifically to the subject of sensation and perception. In Plato’s time, aesthetics only refers to sensation, to the body. For the third century AD. C. the term in addition to sensation also acquires the meaning of perception, a higher degree than sensation. And so it is conceived in the rest of the time. Aesthetics does not describe any particular category of objects, neither of the beautiful nor of the artistic, even though the latter are the meanings established by aesthetic theory and art history.

What is the sensation, the perception, the corporal sensible. It invokes the family of terms derived from sensibility, among these we have: feeling, sensation, sensual, sensitive, sensitive, sentimental, sensory, sensational, common sense, sense of direction, sense or perceived and the felt or affective. And who feels all this is the subject.

In the ancient meaning of the term aesthetics as in the Kantian conception, what is involved is the subject and its relationship with the world through sensitivity and openness to life. What is at stake is the receptivity of the subject, as Kant expressed it.

The subject, agent of sensation and perception, is the starting point of different disciplines, among which aesthetics is one of them. However, the difference lies in the point of arrival. Aesthetics focuses on the attraction or repulsion that the subject has towards an object. And in what does such attraction or repulsion lie? in receptivity or openness to life, that is, in esthesis.

So we have to understand aesthetics as the study of the conditions of esthetics. Understanding by esthesis, the sensitivity or the condition of openness, permeability or receptivity of the subject to the context in which he is immersed. It is that condition of the living being of being open to the world.

Esthesis is the effect of the sensible condition that gives possibility to the opening of the world. Well, the subject opens to the world and becomes alert to its oscillations, or opens to life to nourish itself or closes to protect itself. In this sense, he is an aesthetic subject.

Whoever feels and expresses is the artist subject through a language that we call artistic; who feels and interprets is the spectator subject. It is not the work of art but the subjects that have aesthetics, the work is the means by which it is expressed and interpreted.

The subject that is aesthetic is the one that apprehends through the aesthetic experience. It is he who establishes a relationship with the object, which has made it aesthetic. Why has the object become aesthetic? Because in the subject there has been an opening to sensitivity and experience with that object; later, the rooting takes place, the pledge, as Mandoki says.

Without esthetics, the object does not become aesthetic. When the opening occurs, the object is perceived aesthetically, therefore it acquires a new character that qualitatively alters it for the subject. The object before that opening is not valued aesthetically; it is something alien, indifferent or of any other nature.

In this opening, intellectual, affective and sensory activities come together, it is a complex process. There is no emotional purity in aesthetic appreciation. We have, then, that aesthetics is the search for ways in which esthesis manifests itself, in how it occurs with respect to the world.

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[i] Cfr. Eagleton Terry, La estética como ideología. Madrid, Editorial Trotta, 2006, pp. 54-58.

[ii] Mandoki Katya. Prosaica I, Estética cotidiana y juegos de la cultura. México, CONACULTA, 2005, p.4

[iii] Cfr. García Canclini, Nestor. “A qué llamamos estética y de quien necesitamos emanciparnos”. Estética y emancipación, fantasma, fetiche y fantasmagoría. AA. VV., México, Siglo XXI Editores, p. 267.

[iv] Cfr. Danto Arthur. El abuso de la belleza. Barcelona, Editorial Paídos, 2005, p. 127

[v] Cfr. Eagleton Terry, Ob. Cit., p. 65.

[vi] Baumgarten Alexander, Estética Breve, Buenos Aires, Centro de Investigaciones Filosóficas, p. 13.

[vii] Cfr. Mandoki Katya. Ob cit. Pp. 143-144.

[viii] Cfr. Passmore, John. 1951. “The Dreariness of Aesthetics” Mind, 60.

A QUÉ LLAMAMOS ESTÉTICA

Panoramas:

La estética, en sus momentos inaugurales, se configura en la medida que el capitalismo y la secularización se apartan de los criterios de valorización de los poderes religiosos y políticos precedentes. Los conceptos estéticos empezaron a desempeñar una función central en la constitución de la ideología dominante, esto es, del capitalismo del siglo XVIII y XIX. Por tanto, lo estético es un concepto burgués, en sentido histórico; un concepto forjado que tomó forma lo largo de la Ilustración[1].

En este sentido, la permanencia de la estética se expresa de diversas formas: desde nuestra forma de vivir, en nuestro lenguaje, en nuestro porte, en el modo de vestirnos, de comer, de rendir culto a lo divino y a las personalidades; en la manera de legitimar el poder, ostentar el triunfo o recordar a los muertos. No obstante, el papel principal de la estética en nuestra vida común es través de la construcción y presentación de las identidades sociales[2].

La estética, desde la segunda mitad del siglo XX, adolece de consistencia epistemológica y no se ubica en una teoría cultural con amplio consenso. Existe en ésta una dispersión de sentidos que la hacen inatrapable. Permanece, ésta, como un ámbito abierto donde se buscan: formas no separadas de los tipos de función; representaciones interesadas en el conocimiento, incluso, de lo que no existe; experiencias despreocupadas por la trascendencia e interesadas en posibilidades en un mundo sin normas preestablecidas. En este sentido, la estética es un conjunto de reflexiones, diseminadas, sobre las prácticas denominadas artísticas y no una disciplina[3].

Tan extenso es su uso que todos sabemos que, en nuestro entorno, el término estética se emplea en el género de los tratamientos que se dispensan en los salones de belleza o de estética, como se les llama. Por eso no parece descabellada la anécdota de Danto, de que una joven profesora auxiliar de una universidad canadiense le contó “que siempre que ve anunciada una plaza de estética en el departamento de filosofía, no puede evitar pensar que están buscando a alguien que sepa hacer la manicura”[4].

Eagleton señala que el término estética, en la formulación de Baumgarten, no hace referencia al arte, sino a la aisthesis griega, esto es, a la sensación y percepción humana. En contraste con el dominio del pensamiento conceptual[5]. Conforme a Baumgarten, “para dirigir las facultades cognoscitivas inferiores, pueda darse una ciencia del conocimiento sensible de alguna cosa”[6], esto es, la ciencia estética de los objetos del conocimiento sensitivo.

Sin embargo, esta ciencia que pretendía afirmarse en el estudio de la sensibilidad humana, termina reduciéndose a la descripción, evaluación y clasificación de los objetos denominados obras de arte, y termina por justificar aquello que menos la necesita: lo bello. Esto quiere decir, que los estetólogos que debían ocuparse de la ciencia del conocimiento sensible se olvidaron de este fin y se deslumbraron con el arte y lo bello. Y buscaron en la opinión artística y académica lo qué es y qué no es arte[7].

Y en esta estamos. Tal vez por esto, Passmore dijo que la estética se había convertido en una disciplina aburrida, pues el sentido de lo bello radica en disfrutarlo y no en analizarlo[8].

La estética es una cuestión cultural, social, comunicativa, política, económica, filosófica, histórica, antropológica, cognitiva, semiótica y aun neurológica, de allí que se haya convertido en un cajón de sastre y por lo cual muchas veces sea difícil de delimitar, ya que en ella se traslapan varias disciplinas. En este contexto, la estética se refiere a diversos tipos de fenómenos ambiguos y difíciles de definir, por el procedimiento de razones necesarias y suficientes.

Qué decir entonces:

Por su etimología griega, Αίσθησις, estética se refiere específicamente al sujeto de la sensación y de la percepción. En tiempos de Platón estética solo se refiere a la sensación, a lo corporal. Para el siglo III d. C. el término además de sensación también adquiere el significa de percepción, un grado superior a la sensación. Y así se le concibe en el resto del tiempo. Estética no describe ninguna categoría particular de los objetos ni de lo bello ni de lo artístico, aun cuando éstas últimas son las acepciones establecidas por la teoría estética y la historia del arte.

Qué es la sensación, la percepción, lo sensible corporal. Invoca a la familia de términos derivadas de la sensibilidad, entre éstos tenemos: el sentimiento, la sensación, lo sensual, lo sensitivo, lo sensible, lo sensiblero, lo sensorial, lo sensacional, el sentido común, el sentido de dirección, lo sentido o percibido y lo sentido o afectivo. Y quien siente todo esto es el sujeto.

En la acepción antigua del término estética como en la concepción kantiana, lo que se trata es del sujeto y de la relación de éste con el mundo a través de la sensibilidad y de la apertura a la vida. De lo que se trata es de la receptividad del sujeto, como lo expresó Kant.

El sujeto, agente de la sensación y percepción, es el punto de partida de distintas disciplinas, entre éstas la estética es una de ellas. No obstante, la diferencia radica en el punto de llegada. La estética se enfoca en la atracción o repulsión que tiene el sujeto hacia un objeto. Y en qué radica tal atracción o repulsión; en la receptividad o apertura a la vida, esto es, en la estesis.

Entonces tenemos que entender a la estética como el estudio de las condiciones de la estesis. Entendiendo por estesis, la sensibilidad o la condición de apertura, de permeabilidad o receptividad del sujeto al contexto en que él está inmerso. Es esa condición del ser vivo de estar abierto al mundo.

La estesis es el efecto de la condición sensible que da posibilidad a la apertura del mundo. Pues, el sujeto se abre al mundo y se pone alerta a sus oscilaciones, o se abre a la vida para nutrirse o se cierra para protegerse. En este sentido,  es un sujeto estético.

Quien siente y expresa es el sujeto artista por medio de un lenguaje que llamamos artístico; quien siente e interpreta es el sujeto espectador. No es la obra de arte sino los sujetos los que tienen estética, la obra es el medio por el que ésta se expresa y se interpreta.

El sujeto que es estético es el que aprehende a través de la experiencia estética. Es él quien establece una relación con el objeto, que lo ha convertido en estético. ¿Por qué se ha convertido el objeto en estético? Porque en el sujeto se ha producido la apertura a la sensibilidad y a la experiencia con ese objeto; posteriormente, se produce el arraigo, el prendamiento, como dice Mandoki.

Sin la estesis el objeto no se convierte en algo estético. Al producirse la apertura es que el objeto es percibido estéticamente, por ello adquiere un nuevo carácter que lo altera cualitativamente para el sujeto. El objeto antes de esa apertura no es valorado estéticamente; es algo ajeno, indiferente o de cualquier otra índole.

En esta apertura confluyen actividades intelectuales, afectivas y sensoriales, es un proceso complejo. No hay una pureza emotiva en la apreciación estética. Tenemos, entonces, que la estética es la búsqueda de los modos en cómo la estesis se manifiesta, en cómo se da con respecto al mundo.

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[1] Cfr. Eagleton Terry, La estética como ideología. Madrid, Editorial Trotta, 2006, pp. 54-58.

[2] Mandoki Katya. Prosaica I, Estética cotidiana y juegos de la cultura. México, CONACULTA, 2005, p.4

[3] Cfr. García Canclini, Nestor. “A qué llamamos estética y de quien necesitamos emanciparnos”. Estética y emancipación, fantasma, fetiche y fantasmagoría. AA. VV., México, Siglo XXI Editores, p. 267.

[4] Cfr. Danto Arthur. El abuso de la belleza. Barcelona, Editorial Paídos, 2005, p. 127

[5] Cfr. Eagleton Terry, Ob. Cit., p. 65.

[6] Baumgarten Alexander, Estética Breve, Buenos Aires, Centro de Investigaciones Filosóficas, p. 13.

[7] Cfr. Mandoki Katya. Ob cit. Pp. 143-144.

[8] Cfr. Passmore, John. 1951. “The Dreariness of Aesthetics” Mind, 60.

SE VOCÊ VENHA

Se vier, chegue com delicadeza para não quebrar a linha tênue da solidão. Aquele sulco que se formou sem querer. Você que tanto beijou, e eu sem labirinto. Frágeis nós éramos, bem, você sabe que ele disse isso. Tudo foi um êxodo sem Bíblia. Éramos dois, sem chegar perto de um mais um. Até que veio a tristeza, acho que a gente se ferrou aí. Porque ninguém suporta a tristeza, isso não é possível.

Você sabe que não fomos criados para a tristeza, isso deve ter vindo com algum alienígena que a trouxe para esta terra. Eu disse para você embarcar comigo, era um barco mas cabíamos nós dois, mas você queria ficar na praia enquanto eu ia para o além.

Te ofereci um coração partido, foram só pedaços, o que restou. Só isso. Mas não foi o suficiente, eu entendi depois. Uma canção, uma dança perpétua é a solidão. Sem começo nem fim, algo presente e eterno. Uma loucura de amor Não sei. Eu não estava lá, nem estava aqui.

Em nenhum lugar, por que estou falando com você sobre a solidão, se nunca escrevi para você sobre isso. Também não sei se ele voltou ou nunca mais saiu. Acho que sempre esteve lá. Mas agora ele me dá a mão, para que caminhemos juntos, embora nunca tenhamos estado separados. A doença de amor deve sofrer.

Quem pode conhecer a solidão de falar baixo, no ouvido. Ele não sabe nada de dois amantes desunidos, nem de gritos desafinados. Ele não sabe sobre sofrimento, nem sobre rasgar. Não tem coração quando habita todos os cantos. Esta agonia sem corações, quase nada; se você nunca está satisfeito.

É meia-noite para sempre, não há madrugada. Por isso ele te disse, se vier não faça barulho, não diga nada, faça baixinho e aos poucos. Que você me dê seu coração, faça-o em pedaços. Sem bobagens. Sem destino, é só estender a mão que vou tocar na sua pele. Sentirei o pulsar da tua saudade, como senti a tua alma. Faça devagar, sem dizer nada. Apenas se aproxime, pouco a pouco, sem pressa. Que saberei que você está aí, porque esperei por você e saberei que você chegou.

SI ALGUNA VEZ VENIS

Si venis, llegá suave para que no rompás la delgada línea de la soledad. Esa ranura que se formó sin querer. Vos que tanto has besado, y yo sin laberinto. Frágiles fuimos, bien sabés lo dijo. Todo fue un éxodo sin biblia. Fuimos dos, sin ser de cerca uno más uno. Hasta que llegó la tristeza, creo ahí nos jodimos. Porque nadie puede soportar la tristeza, eso no es posible.

Vos sabés que no fuimos creados para la tristeza, esa debe de haber venido con algún alienígena que la trajo a esta tierra. Te dije que te embarcaras conmigo, era una barca pero cabíamos los dos, pero vos quisiste quedarte en la orilla mientras yo iba hacia el más allá.

Te ofrecí un destrozado corazón, era solo pedazos, lo que quedaba. Solo eso. Pero no era suficiente, lo entendí luego. Un canto, un danzar perpetuo es la soledad. Sin principio ni fin, algo presente y eterno. Una locura de amor. No sé. No estuve ahí, tampoco acá.

En ningún lado, por qué te hablo de la soledad, si nunca te escribí sobre ella. Tampoco sé, si volvió o nunca se fue. Creo que siempre ha estado ahí. Pero ahora me da la mano, para que caminemos juntos, aunque nunca estuvimos separados. Mal de amores debe sufrir.

Que puede saber la soledad de hablar bajo, al oído. No sabe nada de dos amantes desunidos, ni de gritos desafinados. No sabe del sufrir, ni del desgarramiento. No tiene corazón cuando habita cada rincón. Esta agonía sin corazones, casi nada; si nunca está satisfecha.

Es una medianoche por siempre, no hay amanecer. Por eso te dijo, si venís no hagas ruido, no digás nada, hacelo en silencio y de a poco. Que vos me des tu corazón, hacelo a pedacitos. Sin desatinos. Sin destino, solo estirá la mano que yo rozaré tu piel. Sentiré el palpitar de tu anhelo, como sentí tu alma. Hacelo de a poco, sin decir nada. Solo acercate, poco a poco, sin apuro. Que yo sabré estás ahí, porque te he esperado y sabré que has llegado.

DIGMAR VÁSQUEZ

LOS COLORES DEL SER

Digmar Vásquez es la artista joven del mes de junio en el Museo del Diseño y la Estampa Carlos Cruz Diez (MEDI).

La muestra es parte de su trabajo de grado para optar al título de Licenciada en Arte, Mención Fotografía, en la Universidad de las Artes (UNEARTE).

La muestra se titula “Los colores del ser” (Propuesta creativa haciendo uso del color en la indumentaria asociada al identitario personal mediante la fotografía de moda editorial).

El fundamento teórico de la muestra es la “Fashion slow” o moda lenta, que abarca la industria textil y de la moda.

La obra de la joven artista es por demás interesante.

Tenemos que indicar que las piezas textiles expuestas son ropa que la mamá de Digmar Vásquez usaba, según contó la artista en la inauguración. Estas piezas son parte del closet familiar, son parte de un micro relato familiar y vivencial de la niñez de la artista.

LA MIRADA DEL ESPECTADOR:

Primero, la exposición está compuesta por tres fotografías: “La maga”, “Atmósfera roja” y “Cofre abierto”, fotografías impresas en lienzo. Podemos señalar que las mismas conforman un primer conjunto de imágenes.

A partir de las fotografías la muestra cambia de rumbo, ya que está compuesta por:

El díptico[i] “Las hierbas malas nunca mueren”, este díptico está conformado por: una fotografía impresa en lienzo y dos piezas textiles, expuesta en una vitrina horizontal.

El tríptico “La luz está en mí”: una fotografía impresa en lienzo, una pieza textil enmarcada y tres accesorios expuestos en la vitrina horizontal (guanteas, gorro y tapa boca de plástico de embalar)

El díptico “Pink Pantrrs”: una fotografía impresa en lienzo y tres piezas (capuchas) enmarcadas.

Por último, el tríptico “A través del espejo”: una fotografía  impresa en lienzo y dos piezas textiles enmarcadas.

Este conjunto de dípticos y trípticos le da una característica muy particular a la muestra. Porque juega con la ambigüedad, algo propia de estos tiempos. Lo más definido son las tres fotografías que hemos indicado al inicio.

Con respecto a “Las hierbas malas nunca mueren”, la artista nos pasa de la fotografía a las piezas que están expuestas en otro lugar, vemos la foto y luego nos encontramos con parte de la indumentaria que tenía la modelo.

Lo mismo sucede con “La luz está en mí”, al lado de la foto está expuesta la campera que la modelo exhibe en la foto. Entre la fotografía y las piezas textiles hay un relato, una continuidad, un decir que no dice. Como parte de este conjunto, en la vitrina se exhiben los guantes, el gorro y el tapaboca los cuales son una provocación o un sin sentido, pues están confeccionados con plástico burbuja para embalaje, el llamado “Air Pack”.

El díptico “Pink Pantrrs” está constituido por un collage de fotos y tres piezas textiles, que recuerdan dos cosas. Por una parte, la capucha que se usa en las protestas estudiantiles y que tienen la consigna “capucha símbolo de lucha”; por otra, remite al “Scarecrow” de la serie “Gotham”, el espantapájaros intimidante del subconsciente que acecha en la oscuridad. Junto al lenguaje ambiguo que usa la artista, las capuchas son de color rosado.

La artista en “A través del espejo” nos vuelve a sumergir en la ambigüedad, al utilizar el recurso del travestismo, pues con el modelo se recrean las piezas textiles: la chaqueta muy de los años setenta la vemos reinterpretada en los pantalones deshilachados y la chaqueta de blue jeans.

Todo este conjunto de imágenes son relatos y recreaciones heterogéneas, que nos sacuden por diferentes vías: la vía del color, la disposición de los elementos en la exposición, el lenguaje o relato que subyace en cada conjunto particular. Es un vaivén entre la discontinuidad y la ambigüedad, en esta dualidad se conforma el relato gráfico. Lo que es, pero no parece ser. El decir que aparentemente no dice.

Incluso esta ambigüedad, discontinuidad se refleja en la representación gráfica del título de la muestra, el cual se asemeja a los títulos de las carteleras escolares. Es un flujo y reflujo del discurso. Una trampa que nos tiende la artista.   

Donde la imposibilidad, aparentemente, son los colores del ser o el ser de los colores.

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[i] Cuando señalo que hay dípticos y trípticos es una forma personal, como observador, de agrupar un conjunto de elementos que forman parte de la muestra en su totalidad. En la exposición no están indicados de esta manera.

ANDREA MONTES DE OCA

Andrea Montes de Oca, artista joven del mes de abril en el Museo Cruz Diez, presenta la muestra titulada “Transgresión del color, una síntesis deconstructiva de la imagen”. En esta muestra hay una exaltación del color, una búsqueda del valor del color en sí mismo al preferirlo en su estado puro y aplicado de manera directa. Lo que nos recuerda a los fauve, pues la artista busca a través de los colores expresar diversos sentimientos.

Montes de Oca, aplica el color directamente en el cuerpo y luego, para su permanencia, lo fija en el lienzo. La obra de Andrea hace gala de la coloración atrevida, al usar los colores de manera apremiante y aunque no hay arbitrariedad en tal uso, pues su estudio así lo expresa, lo parece. Lo cual le da un carácter más interesante a la obra. Una premeditación que desconcierta.

Procura la artista, eso sí, producir deliberadamente una sensación de disonancia, la cual rompe y enfrenta a la asociación del color con la representación de la realidad corporal. De allí el instinto y la impulsividad que se aprecia en las piezas: “Bipolar”, “Cólera”, “Metis”, “Axioma” y “Niña sin perla”; más reposada aparenta ser “Origen de la transgresión”. Hay en esta muestra una indagación sobre los sentimientos, la emocionalidad  por medio del flujo creativo del color, como medio principal del decir.

Las líneas, los colores y las expresiones, en Montes de Oca, resultan gestos impulsivos, indomables que pretenden escapar a cierta racionalidad,que procuran adentrarse a lo salvaje, a aquello que no es tocado por un orden normativo dominante. En la técnica emplea toques rápidos, vigorosos, trazos discontinuos que crean distorsión en las figuras, en la prosecución de la sensación de espontaneidad.

El fundamento es la liberación del color en su intención de expresar sentimientos.

El tipo de expresión que aplica la artista es ajeno a la perspectiva, hay cierto desinterés por la profundidad espacial, no así por la profundidad emocional. Las figuras destacan sobre un fondo plano, en el caso de “Origen de la transgresión” (2021) el mismo tiende a desvanecerse. A hacerse uno.

Consecuente y coherente con el sentido de la impulsividad dominante, en la obra de la artista, los trazos son espontáneos aunque aparentemente no sean así. Desde el punto de vista de la composición, los trazos aparecen sueltos y parecen ser definitivos, pues no están sujetos a ser perfeccionados. Pues ello iría en contra de lo impulsivo, tales trazos derivaban en manchas que crean efectos particulares.

El trabajo de Montes de Oca se hace en el estudio, no hay observación de la naturaleza sino del lenguaje plástico en el cuerpo; con énfasis en el color y en la capacidad expresiva de éste. El primer lienzo de la artista es el cuerpo, ella pinta en la piel. Lo cual evoca la película, dirigida por Peter Greenaway, “The Pillow Book” (1996).

La muestra abarcar el espectro del retrato y con él las escenas de interioridad emocional. De allí el empleo provocativo del color. El color busca golpear en la utilización subjetiva del mismo, este énfasis destaca en la obra de esta artista.

Su interés por lo aparentemente inacabado, por los colores fuertes, por la libre expresión, marca el hacer artístico como un impulso vital en la resolución de problemas plásticos, con el uso del color en tanto función plástica y constructiva. A través de éste busca la liberación del temperamento y la inclinación personal. El color se convierte en el centro de su creación, es la lógica de la forma creada mediante el mismo: la profundidad, el carácter, los contornos, las superficies, lo sustantivo y lo ilusorio.

Por último la obra de Montes de Oca, nos remite al expresionismo alemán, al particular recuerdo de Emil Nolde, por su fuerte cromatismo y la sencillez sin grandes detalles aparentes; por los rostros que parecen máscaras. Se decanta la artista por la presencia humana en busca de lo interior cubierto éste por una múltiple patina de colores.

Obras:

Bipolar, 2023. Modelo: Luisana Marques. Maquillaje con imitación al oleo y acuarela / Impresión sobre lienzo. 92 x 62 cm

Colera, 2022. Modelo: Carlos Monasterio. Maquillaje con imitación al guache / impresión sobre lienzo. 92 x 62 cm.

Metis, 2023. Modelo: Bárbara Pineda. Maquillaje con imitación a la acuarela / Impresión sobre lienzo. 92 x 62 cm

Axioma, 2023. Modelo: Egon Ilka. Maquillaje con imitación al acrílico/ Impresión sobre lienzo. 92 x 62 cm.

Origen de la transgresión, 2021. Modelo: Daniela Malavé. Maquillaje con imitación al oleo / Impresión sobre lienzo. 92 x 62 cm

Niña sin perla, 2022. Modelo: Rosnelly Ortiz. Maquillaje con imitación al oleo / Impresión sobre lienzo. 92 x 62 cm

DE VOLTA PARA VOCÊ

Era seu e lembrei de você ao longe Constanza com a alma esfarrapada. Apenas fragmentos é o que resta dela. Que eu não quero lembrar de você, não mais. Entre bebidas espirituosas perdi meu espírito, mas antes perdi você.

Nem o café tem cheiro, e sem a boca não tem gosto. Como uma lágrima amarga cansada de caminhar, assim também a tarde me deixou. Tenho algo emaranhado em minha alma e não sei o que é. Já sem coração e sem sua sombra. E ontem resolvi beber seus últimos amores.

Quem tem medo perde, eu já havia perdido sem medo. O que aconteceu com você naquela noite em que a aurora não amanheceu. A noite foi longa, como um remorso. O dia sem esperanças e sem horas. A canção de desespero foi transmitida no rádio implacavelmente.

Diga-me, tão suavemente, o que aconteceu com você. Não me lembro mais do passado, apenas do futuro. Beijos sem dar, abraços em projetos, mãos cada vez mais distantes. Eu me ouvi, inadvertidamente, me despedindo. Acho que disse em italiano, para depois negar.

Eu me voltava para você quando acordava todas as manhãs procurando ouvir o canto dos pássaros em seus cabelos, sentir o frescor da água escorrendo pelo seu corpo, sentir o perfume de suas emoções, sentir seu calor entre os lençóis limpos, saboreie o café entre os lábios; ligando assim os pequenos prazeres de vocês para ir tecendo nossa existência de amor como a abelha liga a única flor.

O blues já queria parar de tocar quando te peguei pela mão e saímos pra dançar. Acho que naquela noite acordamos nas margens do Mississippi, ou foram quatro noites seguidas até ficarmos bêbados até os ossos. Minha alma caiu entre tanto rum e eu a perdi. Mas não importava porque eu peguei você e voltei para você.

DE VUELTA A VOS

Era de vos y te recordaba en lontananza Constanza con el alma hecha jirones. Solo jirones es lo ha quedado de ella. Que no te quiero recordar, ya no. Entre las bebidas espirituosas he perdido el espíritu, pero ya de antes te había perdido a vos.

Ni el café tiene olor, y sin tu boca no tiene sabor. Como una lágrima amarga cansada de andar, así mismo se me fue la tarde. Algo traigo enredado en el alma, y no sé que es. Ya sin corazón y sin tu sombra. Y ayer me decidí beberme tus últimos amores.

Los que temen pierden, yo ya había perdido sin temer. Que fue de vos en aquella noche cuando en la madrugada no amaneció. La noche fue larga, como un remordimiento. El día sin esperanzas, y sin horas. La canción de la desesperación la transmitía la radio sin descanso.

Decime, así bajito, qué fue de vos. Ya no recuerdo el pasado, solo el futuro. Besos sin dar, abrazos en proyectos, un tomarse entre las manos cada vez más lejano. Me oí, sin querer, diciendo adiós. Creo que lo dije en italiano, para después negarlo.

Me prendía a vos al despertar cada mañana buscando escuchar el canto de los pájaros entre tus cabellos, sentir la frescura del agua al resbalar sobre tu cuerpo, oler el perfume de tus emociones, palpar tu calor entre las sábanas limpia, saborear el café entre tus labios; así prendándome a los pequeños placeres de vos para ir tejiendo nuestra existencia de amor como la abeja se prenda a la única flor.

El blues ya quería dejar de sonar cuando te tomé de la mano y salimos a bailar. Creo que esa noche amanecimos en la orillas del Mississippi, o fueron cuatro noches seguidas hasta que nos emborrachamos hasta los huesos. El alma se me cayó entre tanto ron y s eme perdió. Pero no importó porque te conseguí a vos, y a vos volví.

THREE YOUNG ARTISTS IN APRIL

ROSANGEL LEÓN

“Entrañas”, the duality of the diptych

«Entrañas» is the work of the artist Rosangel León that is exhibited at the Museum of Fine Arts. Rosangel was selected as the young artist of the month for April 2023.

The human moves from old data in a dual perception. In extreme cases, we speak of dualism when affirming the existence of two supreme principles: independent, irreducible and antagonistic. In a looser case, we could say that such a duality is dependent, reducible, and non-antagonistic.

For example, Empedocles proposed love and discord as driving forces, as primordial forces of attraction and repulsion. Through these we live in constant tension and alternate in our daily lives. Neither of these two principles rules over the other, they only coexist between them. In this coming and going between love and discord it is possible, in the case of art, to create the world as we appreciate it in Rosangel’s work.

Love is the attraction between the dissimilar, discord the attraction between the similar. What discord separates must be united by love, make it once again a unity. That is why the diptych can only live by being two in one unit.

In this struggle, the elements that make up the artist’s work originate, at the same time, from reason and chance. By the influence of love that combines and keeps them together, and the discord that tends to separate them. We can understand randomness, in Rosangel’s work, as that which is hidden from reason; as that which moves and is found randomly.

We can believe or think that the pleasure before the work of Rosangel is produced in us by the work of the similar and the unlike, of its parts and their mixture. For the principle of «Entrañas» is unity, and from this comes duality. We find ourselves before the unit and then we realize the duality of the work.

On the other hand, duality is expressed in the soul-body relationship, which remains in us as a psychophysical dualism. Broadly speaking, dualism states that the principle of good is identified with light and spirit; evil with darkness and matter. From this perspective, we can speculate about Rosangel’s work; how and in what way dualism is manifested in «Entrañas». Are they two pieces or is it an illusion? Because one cannot live without the other.

Dualism leads us to confront ourselves between the limit and the unlimited, the even and the odd; between chaos and order, the void and the full. Between the intelligible, eternal, immutable and necessary world, as opposed to the sensible world, of the temporary, of the changeable and the corruptible. Dualism, in this sense, seems like a cosmological and existential tear.

Rosangel León’s work is there, it is exhibited honoring this speculative journey, which is not the only possible one.

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ALEXANDER LONGA

«Caracas between streets», look of the Third Millennium

«Caracas: between streets» is the title of the photographic exhibition by Alexander Longa, which is exhibited at the National Art Gallery, where the street photographer was selected as young artist of the month of April 2023.

Alexander’s photographic gaze makes us see the city of Caracas from his Third Millennium perspective; Because the artist was born in 2001, this means that he is a man of this millennium. Therefore, he has his own urban narrative, he reads about a new palimpsest.

Through street photography, Alexander captures the images of urban life that occur daily and spontaneously. Like all street photography, the documentary look and artistic conception are combined in it, both coexist. Although Alexander tends to the second, which is his interest.

He approaches the artist, with his photographic records, public aesthetic formulations, in busy places that make up the social and urban life of the people of Caracas. He captures the intimacy of the subject in the street. That exposed individual and yet in himself.

His theme includes all those elements of the streets, those that for the Hellenes constituted the politeia. That doing of individuals in the city, that building the intangible city day by day: staying on the street, selling the stalls, traveling on buses and the Metro; those who doze on benches or beg sitting on the sidewalk; street buying and selling scenes, festive events among other crowds watched by the city.

In “Caracas: entre calles” we as viewers see through the eye of the artist who has already seen, we see what Alexander has previously seen. The photographer condemns us to see through him. He makes us see that urban life is made of solitudes, that is, of individualities that socialize. Of solitudes that the photographer sees and captures to infinity what has only happened once; he fixes what can never be repeated. Contrary to this contingency, the photographic event remains in itself, it is the absolute particular of an eventuality that will no longer be.

Photography presents us with two experiences: On the one hand, we can be the subject or object that is looked at without knowing that it is being looked at; other times, very much to our liking we are photographed. On the other, we are the subject that looks; in this second case, we are the spectator who makes the photograph something invisible; because it is not her that we see but what she apparently narrates to us, what she tells us, we invent the story that we find in her. We are, in this case, readers of what the artist has seen. We are the second look, which as a spectator are multiple looks.

For Alexander Longa, light is essential to understand the city, the environment in which the lighting effects unfold. Since light is part of the social reconfiguration and human relationships that move in the urban setting, which implies that citizen affairs are related to the lighting context.

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FRANCISCO BORSEC

«L’Ignorance», between colors and lines

The Museo de Arte Contemporánea de Caracas exhibits the series «L’Ignorance» by Francisco Borsec, who was selected by this institution as the young artist of the month of April.

It is a sample of pieces in small format that make up, as a whole, a triptych. Where each individuality is made up, in turn, by several works. In total there are a good number of pieces in small format.

The work of Francisco Borsec is a very interesting sample. Borsec merges or plays Kandinsky and Picasso in his search. The abstractionism of the first, with the cubism of the second. Borsec’s work consists of compositions of colored sounds and line rhythms, where each sign has a specific expressive function.

Seeking the interpretation of each piece is an excess of rationality on the part of the viewer. In such a way, that we must let ourselves be carried away by the composition, just as we let ourselves be carried away by the music. Well, the composition does not necessarily require an interpretation, but an aesthetic experience that visually reveals what is in front of us. Appreciating the basic components of the formal structure: color, lines, and their arrangement, should be our interest. We must attend, first of all, to the shape of the elements in their emotional order, more than logical: composition, points, lines, colors, registers, surfaces, among other elements.

And from these appreciate what is coherent or not, what is legible or not; in short, the corresponding spatial harmony in the entirety of the work.

Francisco Borsec’s work is a combination of composition and meanings, because his art is a subjective and personal way of establishing a dialogue, since each individual will perceive the work in a unique way. Borsec’s work seeks imaginative expressions, revealing intimate and emotional aspects of his human experience.

Francisco Borsec’s vision is to combine aesthetic qualities to capture life’s moments and reflect on them. Hence, his work is alive and changing; because the artist is evolving at the same time that he is experimenting in the world. There is in his work a spiritual communication through art.

He uses color and shape to convey emotions and thoughts. He frees the color palette and the lines from their materialistic limitations. This idea is related to his ideas about life and his life experience.

Space and time are for Francisco fundamental elements of visual composition. Well, his intention is to highlight its dynamic nature, to make the scene embodied in the work take place in space, at a certain moment. Borsec’s work is not representation but a situation where there are protagonists and actions.

To end:

We wish these three young artists a long artistic life and much success.

TRES JÓVENES ARTISTAS EN ABRIL

ROSANGEL LEÓN

“Entrañas”,la dualidad del díptico

“Entrañas” es la obra de la artista Rosangel León que se exhibe en el Museo de Bellas Artes. Rosangel fue seleccionada como artista joven del mes de abril del 2023.

El humano se mueve desde vieja data en una percepción dual. En casos extremos, hablamos de dualismo al afirmar la existencia de dos principios supremos: independientes, irreductibles y antagónicos. En un caso más laxo, podríamos decir que tal dualidad es dependiente, reductible y no antagónica.

Por ejemplo, Empédocles propuso el amor y la discordia como fuerzas motoras, como fuerzas primordiales de atracción y repulsión. A través de éstas convivimos en constante tensión y alternamos en nuestro vivir diario. Ninguno de estos dos principios rige sobre el otro, solo conviven entre ellos. En este ir y venir entre el amor y la discordia es posible, en el caso del arte, la creación del mundo tal cual lo apreciamos en la obra de Rosangel.

​El amor es la atracción entre lo no semejante, la discordia la atracción entre lo semejante. Lo que la discordia separa debe unirlo el amor, volverlo nuevamente una unidad. Por eso el díptico solo puede vivir siendo dos en una unidad.

En esta lucha, los elementos que conforman la obra de la artista se originan, a la vez, por la razón y el azar. Por influencia del amor que los combina y mantiene unidos, y la discordia que tiende a separarlos. Podemos entender al azar, en la obra de Rosangel, como aquello que se esconde a la razón; como aquello que se mueve y se encuentra de manera azarosa.

Podemos creer o pensar, que el placer ante la obra de Rosangel se produce en nosotros por obra de lo semejante y de lo desemejante, de sus partes y su mezcla. Pues el principio de “Entrañas” es la unidad, y de ésta procede la dualidad. Nos encontramos ante la unidad y luego nos damos cuenta de la dualidad de la obra.

Por otro lado, la dualidad se expresa en la relación alma-cuerpo, que permanece en nosotros como un dualismo psicofísico. A grandes rasgos, el dualismo plantea que el principio del bien es identificado con la luz y el espíritu; el mal con las tinieblas y la materia. Desde esta perspectiva, podemos especular sobre la obra de Rosangel; cómo y de qué forma se manifiesta el dualismo en “Entrañas”. ¿Son dos piezas o es una ilusión? Porque una no puede vivir sin la otra.

El dualismo nos conduce a enfrentarnos entre el límite y lo ilimitado, lo par e impar; entre el caos y el orden, el vacío y lo lleno. Entre el mundo inteligible, eterno,  inmutable y necesario, en contraposición con el mundo sensible, de lo temporal, de lo mudable y lo corruptible. El dualismo, en este sentido, parece un desgarro cosmológico y existencial.

La obra de Rosangel León está allí, se exhibe haciendo honor a este periplo especulativo, que no es el único posible.

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ALEXANDER LONGA

“Caracas entre calles”, mirada del Tercer Mileno

“Caracas: entre calles” se titula la muestra fotográfica de Alexander Longa, que se exhibe en la Galería de Arte Nacional, donde el fotógrafo de calle fue seleccionado como artista joven del mes de abril del 2023.

La mirada fotográfica de Alexander, nos hace ver a la ciudad de Caracas desde su mirada del Tercer Milenio; porque el artista nació en el 2001, esto quiere decir que es un hombre de este milenio. Por lo cual, él tiene una narrativa urbana propia, lee sobre un palimpsesto nuevo.

A través de la fotografía callejera, Alexander, va captando las imágenes de la vida urbana que se dan de manera cotidiana y espontánea. Como toda fotografía de calle se conjuga en ella la mirada documentalista y la concepción artística, ambas conviven. Aunque Alexander tiende a la segunda, que es su interés.

Aborda, el artista, con sus registros fotográficos formulaciones estéticas públicas, en lugares transitados que conforman la vida social y urbana de los caraqueños. Capta la intimidad del sujeto en la calle. Ese individuo expuesto y, sin embargo, en sí mismo.

Su temática incluye todos aquellos elementos de las calles, aquellos que para los helenos constituía la politeía. Ese hacer de los individuos en la ciudad, ese construir día a día la ciudad intangible: el permanecer en la calle, el vender la buhonería, viajar en autobuses y en el Metro; aquellos que dormitan en bancos o piden limosna sentados en la acera; escenas de compra y venta ambulante, eventos festivos entre otras multitudes miradas del hacer citadino.

En “Caracas: entre calles” nosotros como espectadores vemos a través del ojo del artista que ya ha visto, vemos lo que Alexander previamente ha visto. El fotógrafo nos condena a ver a través de él. Nos hace ver que la vida urbana está hecha de soledades, esto es, de individualidades que se socializan. De soledades que el fotógrafo ve y capta al infinito lo que solo ha sucedido una vez; fija lo que nunca más podrá repetirse. Contrario, a esa contingencia el acontecimiento fotográfico permanece en sí mismo, es lo particular absoluto de una eventualidad que ya no volverá a ser.

La fotografía nos plantea dos experiencias: Por una parte, podemos ser el sujeto u objeto que es mirado sin saber que es mirado; otras veces, muy a nuestro gusto somos fotografiados. Por la otra, somos el sujeto que mira; en este segundo caso, somos el espectador que hace de la fotografía algo invisible; pues no es a ella a quien vemos sino lo que ella aparentemente nos narra, lo que nos cuenta, nos inventamos la historia que en ella encontramos. Somos, en este caso, lectores de lo que ha mirado el artista. Somos la segunda mirada, que como espectador son múltiples miradas.

Para Alexander Longa, la luz es fundamental para entender la ciudad, el entorno en el cual se despliegan los efectos luminosos. Ya que la luz es parte de la reconfiguración social y de las relaciones humanas que se mueven en el escenario urbano, lo cual implica que los asuntos ciudadanos están en relación con el contexto lumínico.

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FRANCISCO BORSEC

“L’Ignorance”, entre colores y líneas

En el Museo de Arte Contemporánea de Caracas se exhibe la serie “L’Ignorance” de Francisco Borsec, quien fue seleccionado por esta institución como el artista joven del mes abril.

Es una muestra de piezas en pequeño formato que conforma, en conjunto,  un tríptico. Donde cada individualidad está conformada, a su vez, por varias obras. Que en total son un buen número de piezas en pequeño formato.

El trabajo de Francisco Borsec es una muestra muy interesante. Borsec fusiona o hace jugar en su búsqueda a Kandinsky y Picasso. El abstraccionismo del primero, con el cubismo del segundo. La obra de Borsec son composiciones de sonidos de colores y ritmos de líneas, donde cada signo tiene una función expresiva específica.

Buscar la interpretación de cada pieza es un exceso de racionalidad por parte del espectador. De tal modo, que debemos dejarnos llevar por la composición, así como nos dejamos llevar por la música. Pues la composición no necesariamente requiere de una interpretación, sino que se produzca una experiencia estética que devele visualmente lo que está delante de nosotros.

Apreciar los componentes básicos de la estructura formal: color, líneas, y disposición de éstos, debe ser nuestro interés. Debemos atender, en primer lugar, a la forma de los elementos en su orden emocional, más que lógico: composición, puntos, líneas, colores, registros, superficies, entre otros elementos. Y desde éstos apreciar lo coherente o no, lo legible o no; en fin la correspondiente armonía espacial en la totalidad de la obra.

La obra de Francisco Borsec es combinación de composición y significados, porque su arte es una forma subjetiva y personal de establecer un diálogo, ya que cada individuo percibirá la obra de manera única. El trabajo de Borsec busca expresiones imaginativas, que revelan aspectos íntimos y emocionales de su experiencia humana.

La visión de Francisco Borsec es combinar las cualidades estéticas para capturar los momentos de vida y reflexionar sobre ellos. De allí que su obra sea viva y cambiante; pues el artista va evolucionando al mismo tiempo que va experimentando en el mundo. Hay en su obra una comunicación espiritual a través del arte.

Usa el color y la forma para transmitir emociones y pensamientos. Libera la paleta de colores y las líneas de sus limitaciones materialistas. Esta idea está relacionada con sus ideas sobre la vida y su experiencia vital.

El espacio y el tiempo son para Francisco elementos fundamentales de la composición visual. Pues su intención es destacar el carácter dinámico de la misma, hacer que la escena plasmada en la obra tenga lugar en el espacio, en un momento determinado. La obra de Borsec no es representación sino una situación donde hay protagonistas y acciones.

Para finalizar:

Deseamos larga vida artística y muchos éxitos a estos tres jóvenes artistas.